Sejarah Musik Elektronik dan Pemrakarsa Modern Terbaik Hari Ini!

Sejarah musik elektronik dimulai beberapa dekade sebelum era rock and roll. Sebagian besar dari kita bahkan tidak berada di planet ini ketika memulai perkembangannya yang sering tidak jelas, kurang dihargai dan disalahpahami. Hari ini, ini adalah hal duniawi lainnya & # 39; Suara yang dimulai hampir seabad yang lalu seharusnya tidak tampak aneh dan unik karena generasi baru telah menerima banyak dari mereka sebagai arus utama, tetapi ini adalah jalan yang bergelombang dan, dalam menemukan penerimaan massal dari masyarakat, yang lambat.

Banyak musisi – pendukung modern musik elektronik – mengembangkan hasrat untuk synthesizer analog pada akhir 70-an dan awal 1980-an dengan lagu-lagu khas seperti terobosan Gary Numan, & # 39; Apakah teman-teman listrik? & # 39;. Selama ini, perangkat ini menjadi lebih kecil, lebih mudah diakses, lebih ramah pengguna dan lebih terjangkau bagi banyak dari kita. Dalam artikel ini saya akan mencoba melihat sejarah ini dalam bab-bab yang mudah dicerna dan memberikan contoh-contoh pendukung modern terbaik saat ini.

Saya pikir ini adalah awal dari era baru. Untuk membuat musik elektronik, tidak perlu lagi memiliki akses ke ruangan yang penuh teknologi di studio atau kehidupan. Sampai sekarang ini hanya domain para seniman seperti Kraftwerk, yang gudang persenjataan elektronik dan gadget custom-made kita semua hanya bisa bermimpi, bahkan jika kita bisa memahami logistik fungsi mereka. Karena itu, ketika saya tumbuh dewasa di tahun 60an dan 70an, saya tidak pernah memiliki sedikit pengetahuan tentang kompleksitas pekerjaan yang telah menetapkan standar untuk sampai pada titik ini dalam beberapa dekade terakhir.

Sejarah musik elektronik sebagian besar disebabkan oleh Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Stockhausen adalah komposer Avante Garde Jerman dan tokoh pelopor musik elektronik dari tahun 1950-an, memengaruhi gerakan yang dulunya memiliki pengaruh kuat pada nama-nama seperti Kraftwerk, Tangerine Dream, Brain Eno, Cabaret Voltaire, Depeche Mode, dan beberapa nama lainnya. belum lagi karya eksperimental The Beatles & # 39; dan lainnya di tahun 1960-an & # 39; s. Wajahnya dapat dilihat pada sampul "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", the Beatles & # 39; 1967 Master Opus. Namun, mari kita mulai sedikit lebih jauh ke masa lalu.

Pergantian abad ke-20

Masih ada waktu untuk bintang bintang ini ketika saya menemukan bahwa konser elektronik yang terdokumentasi dan eksklusif tidak terjadi pada 1970-an atau 1980-an & # 39; tetapi pada tahun 1920 & # 39; s!

Instrumen elektronik murni pertama, Heremin, dimainkan tanpa sentuhan, diciptakan oleh ilmuwan dan pemain cello Rusia Lev Termen (1896-1993), sekitar tahun 1919.

Pada tahun 1924, Heremin membuat debut konsernya dengan Leningrad Philharmonic. Minat theremine menarik referensi untuk konser di Eropa dan Inggris. Pada tahun 1930, Carnegie Hall yang bergengsi di New York mengalami pertunjukan musik klasik dengan hanya sepuluh seri. Menonton sejumlah musisi terampil yang memainkan alat musik yang menakutkan ini dengan mengayunkan tangan mereka di sekitar antena pasti sangat mengasyikkan, nyata, dan luar angkasa bagi audiens pra-teknologi!

Bagi yang berminat, lihat arsip Theremin virtuoso Clara Rockmore (1911-1998). Rockmore (Reisenberg) yang lahir di Lithuania bekerja dengan penemunya di New York untuk menyempurnakan instrumen selama tahun-tahun awalnya dan menjadi pemain dan perwakilannya yang paling diakui, brilian, dan diakui sepanjang hidupnya.

Dalam retrospeksi, Clara adalah bintang pertama yang terkenal & # 39; musik elektronik yang nyata. Anda ilegal menemukan pertunjukan musik klasik yang lebih menyeramkan, tetapi indah di Heremin. Dia pasti favorit saya!

Musik elektronik dalam Sci-Fi, film dan televisi

Sayangnya, dan terutama karena masalah manajemen keterampilan, masa depan Heremin sebagai alat musik hanya berumur pendek. Kadang-kadang ia menemukan ceruk di film-film Sci-Fi tahun 1950-an. Film klasik "The Day the Earth Stood Still" dari tahun 1951, dengan sebuah soundtrack dari komposer musik film berpengaruh Amerika Bernard Hermann (dikenal dari "Psycho" oleh Alfred Hitchcock, dll.), Kaya akan "makhluk luar angkasa". # 39; skor menggunakan dua heremin dan perangkat elektronik lainnya menyatu dengan instrumentasi akustik.

Dengan menggunakan teknologi osilator tabung vakum Heremin, pemain cello dan radiotelegrapher Prancis, Maurice Martenot (1898-1980), pengembangan Ondes Martenot (dalam bahasa Perancis yang dikenal sebagai gelombang Martenot) dimulai pada 1928. [19659002] keyboard standar dan akrab yang lebih mudah untuk dikuasai musisi, instrumen Martenot berhasil di mana Heremin tidak ramah pengguna. Bahkan, itu menjadi instrumen elektronik pertama yang berhasil digunakan oleh komposer dan orkestra dari periode hingga hari ini.

Dapat dilihat pada tema serial TV asli & # 39; Star Trek & # 39; dari tahun enam puluhan dan dapat didengar pada rekaman kontemporer Radiohead dan Brian Ferry, antara lain.

Ondes Martenot multi timbral yang mengesankan, meskipun monofonik, adalah instrumen terdekat dari generasinya yang pernah saya dengar dan yang mendekati suara sintesis modern.

"Forbidden Planet", dirilis pada 1956, adalah film studio komersial besar pertama dengan soundtrack elektronik eksklusif … seperti dari pengenalan Robbie the Robot dan Anne Francis yang memukau! Skor inovatif diproduksi oleh pasangan Louis dan Bebe Barron, yang mendirikan studio rekaman pribadi pertama di AS pada akhir 1940-an dengan seniman eksperimental elektronik seperti John Cage yang ikonik (Avante Garde sendiri yang mengerjakan definisi musik sendiri!).

The Barron umumnya dikreditkan dengan pelebaran penggunaan musik elektronik di bioskop. Setrika penyolder di satu tangan, Louis membangun sebuah sirkuit yang ia manipulasi untuk menciptakan banyak sekali keanehan, tidak wajar & # 39; efek dan motif film. Setelah dilakukan, suara-suara ini tidak dapat direplikasi karena rangkaiannya sengaja membebani, merokok, dan terbakar untuk menghasilkan hasil suara yang diinginkan.

Itulah sebabnya mereka semua direkam pada kaset dan Bebe disesuaikan selama berjam-jam pada gulungan yang telah diproses yang dianggap berguna, dan kemudian dimanipulasi lagi dengan penundaan dan reverb dan produk akhir digandakan secara kreatif menggunakan beberapa tape deck.

Selain metode kerja yang sulit ini, saya merasa berkomposisi untuk merekam apa yang mungkin merupakan tanda tangan televisi elektronik yang paling tahan lama dan berpengaruh: tema serial petualangan Sci-Fi British 1963 yang sudah berjalan lama: "Dr. Who". Ini adalah pertama kalinya sebuah serial televisi memiliki tema yang murni elektronik. Tema "Dr. Who" diciptakan dalam Lokakarya Radiophonic BBC yang legendaris dengan menggunakan loop pita dan osilator uji untuk menjalankan efek, menangkapnya dalam rekaman, dan kemudian memanipulasi dan memanipulasi mereka lagi oleh pelopor Electro lainnya, Delia Derbyshire , yang menafsirkan komposisi Ron Grainer.

Seperti yang Anda lihat, penggunaan musik elektronik dalam sci-fi vintage adalah sumber utama persepsi publik tentang musik ini sebagai makhluk duniawi lainnya & # 39; dan & # 39; aneh-aneh terdengar & # 39;. Ini tetap demikian sampai setidaknya tahun 1968 dengan rilis "Switched-On Bach" sepenuhnya dilakukan pada synthesizer Moog modular oleh Walter Carlos (yang kemudian menjadi Wendy Carlos dengan beberapa nips dan lipatan bedah).

Profil musik elektronik ekstensif dari 70 dengan terobosan band-band seperti Kraftwerk dan Tangerine Dream, dan terutama di & # 39; 80 ketika ia menemukan penerimaan yang lebih umum.

Pertengahan 1900: Musique Concrete

Dalam perkembangannya hingga 1900-an, musik elektronik tidak hanya terikat pada sirkuit elektronik yang dimanipulasi untuk menghasilkan suara. Pada tahun 1940-an, sebuah penemuan Jerman yang relatif baru – tape reel-to-reel yang dikembangkan pada tahun 1930-an – menjadi subjek yang menarik bagi sejumlah komposer Avante Garde Eropa, khususnya penyiar radio Prancis dan komposer Pierre Schaeffer (1910) 1995) yang mengembangkan teknik montase yang ia sebut Musique Concrete.

Musique Concrete (suara yang ada dari dunia nyata & # 39; berbeda dengan suara buatan atau akustik yang diproduksi oleh instrumen musik) memiliki arti luas terkait dengan pemisahan bersama segmen rekaman yang direkam dengan & # 39; ditemukan & # 39; suara – alami, ekologis, industri dan manusia – dan memanipulasi mereka dengan efek seperti keterlambatan, gema, distorsi, mempercepat atau memperlambat kecepatan band (varispeed), membalikkan, dll.

Stockhausen benar-benar mengadakan konser dengan karya Musique Concrete sebagai dukungan. kaset (dalam fase ini baik suara elektronik dan nyata digunakan pada rekaman), di mana instrumen live akan dilakukan oleh pemain klasik menanggapi suasana hati dan motif yang mereka dengar!

Musique Concrete tidak hanya berdampak besar pada Avante Garde dan perpustakaan saham, tetapi juga pada musik kontemporer dari tahun enam puluhan dan tujuh puluhan. Pekerjaan penting yang perlu diperiksa adalah Beatles & # 39; gunakan metode ini dalam angka-angka terobosan seperti & quot; Tomorrow Never Knows & # 39;, & # 39; Revolusi no. & # 39;. 9 & # 39; dan & # 39; Mendukung Tuan Vlieger, serta album Pink Floyd "Umma Gumma", "Dark Side of the Moon" dan "Lumpy Gravy" oleh Frank Zappa. Semua potongan pita bekas dan putaran pita buatan sendiri sering ditempatkan langsung di mixdown utama.

Hari ini, ini dapat dengan mudah dilakukan dengan pengambilan sampel digital, tetapi para pahlawan kemarin telah bekerja berjam-jam, berhari-hari, dan bahkan berminggu-minggu untuk menyelesaikan peregangan empat menit! Bagi kita yang merupakan musisi kontemporer, memahami sejarah musik elektronik membantu untuk menghargai teknologi lompatan kuantum dalam periode terakhir. Tetapi para inovator awal ini, para perintis ini – lebih banyak lagi yang sejalan – dan tokoh-tokoh penting yang memengaruhi kita, menciptakan fondasi revolusioner yang dewasa ini telah menjadi warisan musik elektronik kita dan untuk itu saya menghormati mereka!

1950 & # 39; s: Komputer Pertama dan Synth Play Music

Maju beberapa tahun hingga 1957 dan memperkenalkan komputer pertama dalam campuran elektronik. Seperti yang dapat Anda bayangkan, itu sebenarnya bukan perangkat laptop portabel, tapi itu adalah seluruh ruangan dan user-friendly bahkan bukan konsep. Meskipun demikian, orang-orang kreatif terus mendorong batasan. Salah satunya adalah Max Mathews (1926 -) dari Bell Telephone Laboratories, New Jersey, yang mengembangkan Music 1, program musik asli untuk komputer yang menjadi dasar semua sintesis digital yang tersisa. Mathews, juga dikenal sebagai Bapak Musik Komputer & # 39; disebut, menggunakan IBM Mainframe digital dan merupakan yang pertama untuk mensintesis musik di komputer.

Pada puncak film 1968 Stanley Kubrik: A Space Odyssey & # 39; menggunakan Mathews dari tahun 1961 & # 39; rendisi elektronik dari nomor Daisy Bell akhir 1800-an. Di sini iringan musik dilakukan oleh mainframe yang diprogram bersama-sama dengan manusia & # 39; bernyanyi & # 39; teknologi pemungutan suara adalah pelopor di awal tahun 60an. Di film, ketika HAL mendaftarkan komputer, & # 39; dia & # 39; kembali ke nomor ini, penghargaan untuk & # 39; adalah & # 39; asal sendiri

1957 juga menyaksikan synth canggih pertama, RCA Mk II Sound Synthesizer (perbaikan dibandingkan yang asli 1955). Ini juga termasuk sequencer elektronik untuk memprogram pemutaran kinerja musik. RCA Synth raksasa ini dipasang dan masih ada di Pusat Musik Elektronik Columbia-Princeton di New York, tempat Robert Moog yang legendaris telah bekerja selama beberapa saat. Universitas dan laboratorium Teknologi adalah rumah paling penting bagi synthesizer dan musik komputer di era awal itu.

1960: The Dawning of the Moog

Logistik dan kompleksitas penyusunan dan bahkan memiliki akses ke apa yang sebelumnya merupakan synthesizer yang tidak ramah-musisi menimbulkan pertanyaan untuk instrumen yang lebih portabel dimainkan. Salah satu yang pertama merespons, dan tentu saja yang paling sukses, adalah Robert Moog (1934-2005). Synth-nya dimainkan menggunakan keyboard piano yang akrab.

Operator telepon yang sulit & # 39; Kabel jenis plug-in synth modular tidak satu untuk diangkut dan diatur dengan sejumlah kemudahan atau kecepatan! Tapi itu mendapat dorongan besar dalam popularitas dengan keberhasilan Walter Carlos, seperti yang disebutkan sebelumnya, pada tahun 1968. Album terlaris LP-nya "Switched-On Bach" tidak disiapkan karena ini adalah pertama kalinya album dirilis sepenuhnya. musik yang disintesis, yang bertentangan dengan klip suara eksperimental.

Album ini adalah pertunjukan musik klasik yang kompleks dengan multi-track dan overdub yang berbeda, karena synthesizernya hanya monofonik! Carlos juga menciptakan skor elektronik untuk "A Clockwork Orange", film futuristik 1972 yang mengganggu karya Stanley Kubrik.

Sejak saat itu, synthesizer Moog sering muncul di sejumlah album kontemporer dari akhir tahun enam puluhan. Pada tahun 1967, Monyet & # 39; "Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd" menjadi edisi album pop komersial pertama yang menampilkan Moog modular. Bahkan, penyanyi / drummer Mickey Dolenz membeli salah satu unit pertama yang terjual.

Namun, baru pada awal 1970-an, ketika Minimoog pertama kali muncul, minat tersebut dikembangkan secara serius oleh para musisi. Unit kecil portabel ini dengan suara yang berani memiliki dampak yang signifikan dan menjadi bagian dari perangkat musik live bagi banyak musisi tur selama bertahun-tahun. Perusahaan lain seperti Sequential Circuits, Roland dan Korg mulai memproduksi synths mereka sendiri, menciptakan subkultur musik.

Namun, saya tidak bisa menutup bab 1960-an tanpa merujuk ke Mellotron. Instrumen elektronik-mekanik ini sering dipandang sebagai prekursor primitif dari sampler digital modern.

Dikembangkan pada awal 1960-an dan berdasarkan Chamberlin (instrumen rumit yang dirancang AS dari dekade sebelumnya), keyboard Mellotron mengaktifkan kaset pra-rekaman, masing-masing tombol sesuai dengan nada dan nada yang setara dari instrumen akustik yang dimuat sebelumnya.

Mellotron legendaris untuk penggunaannya di Beatles & # 39; Edisi 1966 Strawberry Fields Forever & # 39;. Sofa flute-band digunakan untuk pengenalan mengerikan yang dimainkan oleh Paul McCartney.

Popularitas instrumen tumbuh dan digunakan pada banyak catatan sejak saat itu, seperti kisah yang sangat sukses Moody Blues & Nights in White Satin. Pada 1970-an semakin digunakan oleh band-band rock progresif. Pelopor elektronik Tangerine Dream menampilkannya di album awal mereka.

Dengan waktu dan kemajuan lebih lanjut dalam teknologi microchip, instrumen yang memesona ini telah menjadi sisa dari zamannya.

1970: The Birth of Vintage Electronics Bands

Album-album cairan awal Tangerine Dream seperti "Phaedra" dari 1974 dan karya Brian Eno dengan aktivitas dirinya ditandai & # 39 ; musik ambient & # 39; dan di album "Heroes" oleh David Bowie, lebih lanjut menarik minat synthesizer baik musisi dan penonton.

Kraftwerk, yang album ke-4 "Autobahn" mencapai kesuksesan komersial internasional, mediumnya semakin meningkat dengan presisi, denyut dan irama elektronik yang berdenyut dan melodi synth yang agung. Minimalisme mereka menunjukkan dunia urban yang dingin, industri, dan berbasis komputer. Mereka sering menggunakan alat perekam suara dan sintesis suara, seperti robotika yang indah & Speak and Spell & # 39; emulator suara, yang terakhir adalah alat bantu belajar untuk anak-anak!

Terinspirasi oleh karya-karya elektronik eksperimental Stockhausen, sebagai seniman, Kraftwerk adalah yang pertama yang berhasil menggabungkan semua elemen musik dan kebisingan yang dihasilkan secara elektronik dan menghasilkan format lagu yang mudah dikenali. Penambahan vokal di banyak lagu mereka, baik dalam bahasa Jerman dan bahasa Inggris, berkontribusi pada apresiasi universal mereka dan menjadi salah satu pelopor dan seniman musik kontemporer paling berpengaruh selama setengah abad terakhir.

Kraftwerk & # 39; permata & # 39; Das Modell & # 39; pada bulan Februari 1982 klik nomor satu di Inggris dengan versi bahasa Inggris yang diterbitkan kembali, & # 39; model, menjadikannya salah satu toppers kartu Electro paling awal!

Namun, ironisnya, gerakan yang tidak terkait dengan EM (Musik Elektronik) diperlukan untuk memfasilitasi penerimaan yang lebih luas oleh masyarakat umum. Gerakan punk tahun 1970-an, khususnya di Britania Raya, membawa serta sikap baru yang unik: gerakan yang mengutamakan ekspresi diri alih-alih ketangkasan dan pelatihan formal, sebagaimana diwujudkan oleh musisi rock progresif kontemporer. Agresi awal punk metal berubah menjadi bentuk yang kurang kasar selama akhir 1970-an: New Wave. Ini, dikombinasikan dengan keterjangkauan komparatif dari banyak synthesizer kecil, mudah digunakan, menyebabkan ledakan synth komersial pada awal 1980-an.

Generasi baru kaum muda mulai mengeksplorasi potensi instrumen-instrumen ini dan mulai menciptakan soundscape yang menantang perspektif musik kontemporer yang ada. Namun, ini tidak tiba tanpa bekas luka pertempuran. Pembentukan industri musik, terutama di medianya, sering mengejek bentuk ekspresi dan presentasi baru ini dan merupakan eksotisme untuk merujuk pada tong sampah sejarah.

1980: Era Emas Pertama atau Musik Elektronik untuk Massa

Gary Numan menjadi tanpa diragukan lagi megaster synth komersial pertama dengan hit "Tubeway Army" dari 1979 Friends Electric? & # 39;. Elemen Sci-Fi tidak terlalu jauh. Bagian dari gambar berasal dari fiksi ilmiah klasik "Do Dooms Dream of Electric Sheep?". Film hit "Blade Runner" dari tahun 1982 juga didasarkan pada buku yang sama.

Meskipun & Friends Friends Electric? & # 39; direkomendasikan backing drum dan bass konvensional, penggunaan dominan dari Polymoogs memberikan lagu suaranya sendiri. Rekaman ini adalah rilis berbasis synthesizer pertama yang mencapai status nomor satu di Inggris selama tahun-tahun pasca-punk dan membantu mengantarkan genre baru. Musik elektronik dan / atau synthesizer tidak lagi dikirim ke sela-sela arus utama. Menarik!

Perkembangan lebih lanjut dalam teknologi elektronik yang terjangkau menempatkan keterampilan elektronik di tangan pembuat muda dan mulai mengubah studio profesional.

Dirancang di Australia pada 1978, Fairlight Sampler CMI menjadi instrumen pengambilan sampel digital polifonik digital pertama yang tersedia secara komersial, tetapi biaya tak ternilai hanya digunakan oleh Trevor Horn, Stevie Wonder, dan Peter Gabriel. Namun, pada pertengahan tahun, instrumen yang lebih kecil dan lebih murah telah memasuki pasar, seperti Akai dan Emulator Samplers yang ada di mana-mana yang sering digunakan oleh musisi untuk mereplikasi suara rekaman studio mereka. Sampler telah merevolusi produksi musik.

Di sebagian besar pasar utama, dengan pengecualian kualifikasi AS, awal 1980-an tertarik secara komersial kepada seniman dengan pengaruh listrik. Ini adalah waktu yang menyenangkan bagi banyak dari kita, termasuk saya. Saya tahu bahwa saya bukan satu-satunya yang menutup gitar dan amplifier yang terdistorsi dan membenamkan diri dalam dunia baru ekspresi musik – dunia sehat yang abstrak dan non-tradisional.

Home, band berbasis synthesizer Australia Real Life ("Send Me An Angel & # 39;," Heartland "album), Icehouse (" Hey Little Girl ") dan Pseudo-echo (" Funky Town ") dimulai secara internasional di dan lebih banyak pakaian elektronik eksperimental seperti Severed Heads dan SPK juga mengembangkan pengikut kultus asing.

Tetapi di pertengahan dekade, gelombang elektronik global pertama kehilangan momentumnya di tengah perlawanan yang didukung oleh kelompok musik tanpa henti pada yang lama. Sebagian besar seniman yang memulai dasawarsa ini sebagai yang berbasis elektro, hancur atau hibridisasi suaranya dengan instrumentasi rock tradisional.

AS, pasar global terbesar dalam segala hal, tetap konservatif sepanjang tahun 1980-an. Meskipun catatan berbasis synths mencapai grafik Amerika, yang pertama adalah hitstop Human League Amerika dari tahun 1982, Do not You Want Me Baby? & # 39 ;, Secara umum itu harus beberapa tahun sebelum arus utama Amerika memeluk musik elektronik, itu mengkonsolidasikan dirinya sebagai genre yang dominan untuk musisi dan pemirsa di seluruh dunia.

1988 agak menjadi titik balik bagi musik elektronik di AS. Depeche Mode sering difitnah dalam pers di tahun-tahun awal, dan secara tidak sengaja – dan sebagian besar secara tidak sadar – memimpin serangan baru ini ke pimpinan. Dari status kultus di Amerika selama sebagian besar dasawarsa, rotasi permainan tinggi baru mereka menolak apa yang sekarang disebut radio Modern Rock dalam pertunjukan mega-stadion. Sebuah aksi Electro terjual habis di arena pada waktu itu tidak umum di AS!

Pada tahun 1990, penggemar membuat kekacauan di New York untuk menyambut para anggota di sebuah toko rekaman terpusat dengan berita TV dan album mereka & # 39; Pelanggar & # 39; bahwa pada tahun yang sama terjual habis Madonna dan Prince, menjadikannya konsep Amerika. Musik elektronik ada di sini untuk tetap tanpa keraguan!

1990 & berikut: Era Emas Kedua Musik Elektronik untuk Misa

Sebelum musik bintang & bintang kita & # 39; cengkeramannya pada arus utama Amerika diamankan, dan sementara itu kehilangan landasan komersial di mana-mana pada pertengahan 1980-an, Detroit dan Chicago menjadi laboratorium sederhana untuk ledakan musik elektronik yang berasal dari tahun 1990-an & # 39; dan seterusnya. Pergi ke Techno and House.

Detroit pada 1980-an, limbah industri pasca-Ford dari AS, menghasilkan Techno yang lebih keras dipengaruhi Eropa. Pada awal 1980-an, Detroiter Juan Atkins, penggemar Kraftwerk yang obsesif, bersama dengan Derrick May dan Kevin Saunderson – menggunakan peralatan primitif, sering dipinjam – membentuk tulang punggung dari apa, bersama dengan House, akan menjadi musik yang dominan. budaya klubnya melalui dunia. Sangat meminta seniman yang menginformasikan pengembangan teknologi awal adalah pelopor Eropa seperti Ketua Kraftwerk, serta Yello dan British Electro, seperti Mode Depeche, Liga Manusia, Surga 17, Orde Baru dan Cabaret Voltaire.

Chicago, yang berjarak empat jam perjalanan, melihat perkembangan House pada saat yang sama. Nama ini umumnya dianggap berasal dari "The Warehouse", di mana berbagai produser DJ mempresentasikan amalgam musik baru ini. House berakar pada disko tahun 1970-an dan, tidak seperti Techno, biasanya memiliki beberapa bentuk vokal. Saya pikir karya Giorgio Moroder pada pertengahan tahun 70-an bersama Donna Summer, terutama lagu "I Feel Love", sangat penting untuk menghargai pengaruh disko tahun 70-an pada rumah Chicago pemula.

Sejumlah besar varian dan subgenre telah berevolusi sejak – melintasi Atlantik, dikerjakan ulang dan kembali lagi – tetapi dalam banyak hal keberhasilan populer dari dua bentuk inti ini telah menghidupkan kembali seluruh lanskap elektronik dan budaya sosial yang terkait. Techno dan House membantu untuk secara substansial menantang arus utama dan Alternatif Rock sebagai pilihan favorit untuk mendengarkan generasi baru: generasi yang tumbuh dengan musik elektronik dan menerimanya sebagai yang diberikan. Bagi mereka itu adalah musik yang selalu ada.

Sejarah musik elektronik terus ditulis seiring kemajuan teknologi, dan harapan orang-orang tentang di mana musik dapat terus mempromosikannya, meningkatkan kosakata dan leksikon.



Source by George E Pappas